유명한 사진작가 (22) 어빙 펜, Irving Penn, 세계적인 인물 패션사진의 전설

세계에서 유명한 사진작가를 소개합니다.

Best photographers in the world

 

어빙 펜

IRVING PENN

 

 

20세기를 대표하는 패션, 인물 사진작가

어빙 펜은 20세기의 위대한 사진작가 중 한 명으로, 그의 매력적인 이미지와 훌륭한 사진작품은 널리 잘 알려져 있다. 비록 그는 60년 이상 동안 보그 잡지의 최고의 사진 작가들 중 한 명으로 칭송되었지만, 펜은 매우 내적인 사람이었고, 스포트라이트를 피하며 조용하고 가차없는 헌신으로 자신의 작품세계를 추구했다. 사진술이 주로 소통의 수단으로 이해되던 시절, 그는 예술가의 눈으로 사진술에 접근했고, 그의 직업적, 개인적 작품 모두에서 매체의 창조적 잠재력을 확장시켰다.

1917년 뉴저지주 플레인필드에서 이민자 부모 사이에서 태어난 펜은 1934년부터 1938년까지 필라델피아 미술관 산업 예술 학교에 다녔고 알렉세이 브로도비치와 함께 그의 디자인 연구소에서 공부했다. 1920년대 파리에서 활동한 러시아계 이민자였던 브로도비치는 잡지, 전시회, 건축, 사진에 있어 현대 미술과 디자인의 원리를 응용하는 법을 가르쳤다.

 

1941년 뉴욕에서 브로도비치의 하퍼스 바자르 조수와 다양한 예술 감독으로 일한 후, 펜은 멕시코로 가서 미국 남부를 여행하고 사진을 찍었다. 그러나 그는 자신의 그림들에 실망했고 다음 해 말에 뉴욕으로 돌아오기 전에 그것들을 파괴했다. 1943년, 보그의 신임 아트 디렉터 알렉산더 리버먼은 펜을 고용하여 레이아웃을 준비하고 잡지 사진작가들에게 표지를 위한 아이디어를 제안하였다. 파리에서 일했던 또 다른 러시아 이민자 리버만은 펜의 최근 여행에서 온 연락지를 보고 "보고 싶은 것을 아는 마음과 눈"을 알아봤다. 그는 펜이 자신이 상상한 사진을 찍기 시작하도록 격려했고, 현대 사진을 변형시킨 협력뿐만 아니라 길고 보람 있는 경력을 시작했다.

제2차 세계 대전 이후 펜이 정물화와 초상화에서 인상적인 스타일로 빠르게 명성을 얻자, 리버만은 그를 초상화와 패션을 찍도록 했다. 이것은 펜이 스튜디오의 통제된 환경에서 사진을 찍는 것에 대한 선호도를 확인시켜주는 형성적인 경험들이었고, 펜은 그의 작곡에 필수적이지 않은 모든 것들을 다듬고 그의 피사체에 대해 연마할 수 있었다. 이러한 과제들과 별개로, 펜은 스튜디오와 가까운 거리에서 누드를 촬영하고 "이미지의 매끄러운 면을 돌파하기 위해" 그들의 인쇄를 실험하는 중요한 개인 프로젝트를 수행했다. 이것은 초기 미술 역사 모델에 대한 깊은 성찰에서 비롯된 사진에 대한 새로운 접근 방식이었지만, 그 이미지들은 너무 자극적이고 수십 년 동안 보여지지 않았다고 여겨졌다.

 

Unknown photographer, Irving Penn at work in Cuzco , 1948. © The Irving Penn Foundation

 

보그를 통한 작품 활동

작품 아이디어가 매우 독창적 

 

1950년, 펜은 보그의 오트쿠튀르 컬렉션의 사진을 찍기 위해 파리로 보내졌다. 그는 오래된 극장 커튼을 배경으로 한 일광 스튜디오에서 일했고, 1947년에 처음 만난 리사 폰스그리브스라는 이름의 비범한 모델에게 은혜를 입었다. 스웨덴에서 태어나 무용수로서 훈련을 받은 그녀는 형태와 자세에 대한 정교한 이해를 가진, 그 당시 가장 인기 있는 패션 모델 중 한 명이었다. 펜은 나중에 회상했다: "리사가 들어왔을 때, 나는 그녀를 보았고 내 심장이 빠르게 뛰었고 이것이 바로 그것이라는 것을 전혀 의심하지 않았다." 그들은 1950년 9월 런던에서 결혼했다. 이 시기 동안 펜은 또한 사라진 세계에 속했던 정육점, 제빵사, 직공, 별종들을 촬영하면서 오래된 판화의 전통에서 영감을 받은 프로젝트를 수행했다.

1964년과 1971년 사이에 보그의 여행 횟수가 증가하여 일본, 크레타, 스페인, 다호메이, 네팔, 카메룬, 뉴기니, 모로코로 이동하였다. 이러한 여행에서 펜은 점점 더 자유롭게 그의 관심을 끄는 것, 즉 자연광에서 사람들의 초상화를 만드는 것에 초점을 맞추게 되었다. 초기 여행에서, 그는 차고나 헛간과 같은 기존의 공간들을 그의 필요에 맞게 개조했고, 그가 관심 있는 존경스러운 교류를 장려하기 위해 중립적인 환경의 중요한 역할에 주목했다. 결국 이것은 그가 해체될 수 있는 텐트 스튜디오를 건설하도록 이끌었다. 펜은 "이 어정쩡한 텐트 안에서 우리 둘 다 접촉의 가능성이 있다는 것을 느꼈고, 나는 종종, 말없이, 그들의 자세와 집중력으로, 우리의 다른 세계들 사이에 걸쳐 있는 많은 것들을 말할 수 있었던 피실험자들을 위한 감동적인 경험을 말할 수 있었다"고 말했다.

 

 

펜의 작품은 처음에는 보그지의 페이지에 이상적인 통로가 있어 그곳에서 정교하게 복제되어 널리 전파되었다. 그러나 1950년대 초, 편집자들은 펜의 사진이 잡지에 비해 너무 심각하다고 느끼기 시작했고, "페이지에서 불타올랐다"고 말했다. 그 결과, 그의 과제는 줄어들었고 그는 광고로 눈을 돌렸다. 펜은 특히 정물 사진 분야에서 이 새로운 분야가 제공하는 도전을 환영했고 광고에서 사진 사용에 혁명을 일으킨 역동적인 이미지를 만들기 위해 스트로보 조명으로 실험을 했다.

1960년대 초까지 잡지의 예산은 쪼그라들었고 오프셋 인쇄물의 질은 떨어졌다. 비록 펜은 다시 잡지를 위해 광범위하게 사진을 찍고 있었지만, 그는 자신의 사진이 페이지에 나타나는 방식에 점점 실망했고, 심지어 "너무 아프기 때문에 그것들을 보는 것조차 피했다"고 말했다. 이 곤경에 대한 그의 해결책은 사진 인화가 예술적인 대상으로 여겨지지 않았던 시기에 혁명적인 초기 인쇄 기술의 부활을 조용히 개척하는 것이었다. 광범위한 연구와 실험으로 시작하여, 그는 인쇄물에서 그가 추구하는 미묘한 변형과 조화에 대한 더 큰 통제를 제공할 수 있는 19세기 방법을 연구했다. 그는 플래티넘과 팔라듐 금속으로 인쇄하는 복잡한 과정을 완성할 때까지 조사를 계속했고, 손으로 감응한 예술가의 종이에 접촉 인쇄를 위한 네거티브를 확대했다. 이 네거티브는 알루미늄 시트에 접착되어 여러 코팅과 인쇄를 견딜 수 있었다.

 

1970년대 초, 펜은 맨해튼 스튜디오를 닫고 뉴욕주 롱아일랜드에 있는 가족 농장에 지은 실험실에서 플래티넘 인쇄에 몰두했다. 이로써 플래티넘을 위한 3개의 주요 시리즈가 탄생하게 되었다. 담배(1972년, 1975년 현대미술관에서 전시), 거리 재료(1975-76년, 1977년 메트로폴리탄 미술관에서 전시), 고고학(1979-80년, 1982년 말버러 갤러리에서 전시) 등이 있다. 그의 초기 누드 시리즈와 마찬가지로, 이 작품은 사진술의 일반적인 사용에서 근본적으로 벗어났다. 많은 이들이 혐오스럽다고 생각했지만, 펜은 주제에서 "색깔, 얼룩, 그리고 타이포그래피의 호기심을 자극하는 왜곡된 형태인 도시의 거절의 보물"이라고 보았다.

 

Reflection on Irving Penn’s photographs: Cigarette No. 37, New York, 1972

 

펜은 1972년에 담배꽁초 시리즈를 발표했다. 길거리에서 주운 담배 꽁초를 흰 배경 위에 놓고 극도로 클로즈업시켜 촬영 했다. 절묘한 조명에 의해서 특별한 질감이 강조된 것이 특징적이다. 어빙 펜의 작품은 마치 마술과 같이 더러워진 담배 꽁초를 아름다운 이미지로 바꾸어 놓는 것이었다. 이것을 통해 펜이 어떻게 자신의 사진작품을 극대화했는지 알 수 있다.

 

1983년, 펜은 도시에 스튜디오를 다시 열었고 상업적인 작업과 잡지 과제들의 바쁜 일정을 다시 시작했다. 이듬해, 그는 존 사르코프스키에 의해 현대 미술 박물관에서 1989년까지 전 세계를 순회한 회고전의 영예를 안았다.

회고전이 끝난 후, 펜은 백금 인쇄를 자신의 연습에 포함시키면서 창조적인 추구로 그림과 그림을 다시 시작했다. 그는 또한 일본 디자이너 이세이 미야케와의 활기찬 장거리 협업을 통해 창작의 자유를 찾았고, 그는 그의 역동적이고 조각적인 디자인을 사진으로 해석하기 위해 뉴욕으로 보냈다.

 

Lisa Fonssagrives-Penn, Irving Penn in his painting studio , Sweden, 1987.  © The Lisa Fonssagrives-Penn Trust

 

펜의 창의력은 그의 삶의 마지막 수십 년 동안 피어났다. 그의 혁신적인 초상화, 정물화, 패션, 그리고 뷰티 사진들은 계속해서 보그지에 정기적으로 등장했다. 스튜디오는 잡지, 광고, 개인 업무뿐만 아니라 인쇄와 전시 프로젝트로 바빴다. 펜은 보도 위의 잔해를 촬영하기 위해 카메라를 제작하고 장시간 노출 동안 움직이는 빛의 띠를 실험하거나 디지털 컬러 인쇄를 하는 등 새로운 아이디어를 적극적으로 수용했다. 책 프로젝트도 우선이었고, 펜은 디자인부터 인쇄 품질까지 그들의 제작에 많은 관심을 기울였다. 그렇게 다작한 경력으로 남긴 작품들의 본체를 형성하기로 결심한 그는 또한 그의 기록물들을 신중하게 구성하고 축소했다. 특히 1992년 리사가 죽은 후, 그는 그의 작품과 스튜디오 스케줄의 구조에서 위안을 구했고, 그는 대부분의 밤 퇴근 후와 주말에 작업을 했다. 2009년 뉴욕에서 92세의 나이로 사망하였다. 그의 일생 동안, 그는 스튜디오에서 일했고 펜의 유산에 대한 헌신은 어빙 펜 재단을 설립으로 이어졌다.

 

Cecil Beaton, Irving Penn reviewing camera negatives for Chimney Sweep , London, 1950. Gelatin silver print. © ; The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s

 

 

 

어빙 펜의 작품 특징

독특, 대담, 사치 그리고 현실적이고 미적

어빙 펜(Irving Penn, 1917년 - 2009년)은 패션 사진, 초상화, 정물화에 헌신한 미국의 사진작가이다. 그는 1917년 미국에서 태어나 34년부터 필라델피아 박물관 학교에서 그래픽과 산업 예술을 공부하며 예술의 길에 접어들었다. 참고로 어빙 펜의 남동생인 아서 팬( Arthur Penn)도 유명한 영화 감독으로 유전적으로 예술적인 감각이 있는 것 같다.

 

비록 어빙 펜은 패션 산업(보그, 크리니크, 그리고 다른 패션계의 거물들)에서 일했던 것으로 대부분 알려져 있지만, 어빙 펜은 세계를 여행하고 민족지학적 초상화를 그렸다. 그는 또한 모더니즘 정물화에도 매우 끌렸다. 그의 많은 이미지들은 병, 뼈, 발견된 물건들, 그리고 음식을 특징으로 합니다.

 

펜의 사진 스타일은 정확성과 우아함이 특징이다. 펜의 작품에 있어 디테일을 바로 알 수 있다. 그의 70여년 간의 작가 생활 동안 펜의 미학과 기술력은 미술계와 상업계에서 모두 놀라운 평가를 받는다. 그는 플라티늄(platinum)과 팔라듐(palladium) 인화처럼 19세기 방법을 고찰하여 초기 인화 기술을 부흥하는데 앞장 섰으며, 이를 통해 그가 추구했던 미묘한 변화와 색조를 더욱 잘 표현할 수 있었다.

 

이빙 팬은 광선을 교묘히 이용하여 자신만의 독특한 스타일을 개척했으며, 또한 힘찬 표현, 간결한 인상, 명확한 고찰, 돌에 새긴듯한 정확한 터치 등 이런 방식을 추구하여 그의 사진들은 정말 독특하고, 대담하다고 볼 수 있다. 그는 주로 흑백 사진을 찍었고, 특히 초상화를 찍었다. 어빙 펜은 단지 사람들을 사진으로만 찍은 것이 아니라, 그들을 캐릭터로 변형시켰다. 살바도르 달리에서 루이 암스트롱까지, 페레 쿠튀리에에서 소피아 로렌까지, 그가 그린 모든 초상화는 바로 예술 작품이 되었다.

어빙 펜의 작품은 전 세계에 전시되어 있다. 여러분은 박물관과 미술관에서 그것들을 찾을 수 있습니다. 가장 많은 컬렉션은 시카고 미술관과 스미스소니언 미국 미술관에 있다.

 

 

Irving Penn,  Irving Penn: In a Cracked Mirror , New York, 1986. © The Irving Penn Foundation

https://irvingpenn.org/

The Irving Penn Foundation